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Giacometti et Breton: l’atelier s’expose

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    Reconstitution de l'atelier de Giacometti dans l'entrée de la maison de Paul Follot © Institut Giacometti Paris, photographie Eléonore Gaudry
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PARIS. Dans le cadre du séminaire “La maison musée: chez l’artiste” nous avons visité diverses figurations de l’espace de création de l’artiste. Quels enjeux muséographiques deux types de reconstitution, l’atelier du sculpteur Alberto Giacometti et le bureau de l’écrivain André Breton, soulignent-elles?

Nombreux sont les ateliers d’artistes aujourd’hui muséifiés ou exposés, de sorte à rendre hommage et montrer ces lieux si particuliers, laboratoires où œuvres et artistes se sont façonnés. C’est par exemple le cas de l’atelier d’Alberto Giacometti ou d’André Breton, qui ont en commun le fait d’être des reconstitutions : d’une part, (Giacometti) l’atelier de l’artiste est déménagé ; d’autre part (Breton), seul un mur en est prélevé pour constituer l’objet d’exposition. Dans cet article, nous décrirons leurs deux ateliers respectifs avant d’aborder, à partir de leurs similitudes, la façon dont ils sont tous les deux mis en scène.

L’atelier de Giacometti dans la maison de Follot:

en attendant Alberto

Né à l’aube du XXe siècle, en 1901, Alberto Giacometti est un artiste suisse polyvalent. A la fois peintre et sculpteur, il est influencé par divers courants artistiques (cubisme, surréalisme, existentialisme), et consacre une grande part de son œuvre à ses sculptures (principalement des visages et des corps humains, à l’aspect brut et filiforme). Célèbre de son vivant, il connaît un succès international et en 1965, son biographe, James Lord, publie A Giacometti Portrait aux éditions du Museum of Modern Art (MoMA) de New York.

La même année est créée, la Fondation Alberto Giacometti par un groupe d’amateurs d’arts en Suisse, à la Kunsthaus Zürich. A Paris aussi, ville témoin du développement et de l’affirmation de l’œuvre de l’artiste, la Fondation Alberto et Annette Giacometti (ou Institut Giacometti) voit le jour en 2003, à l’issue d’une bataille juridique. Alberto Giacometti décède en 1966 et sa veuve continue de promouvoir son art. Elle partage dès 1987 son désir de fonder un institut en l’honneur de son mari, qu’elle prend soin d’inscrire dans son testament. Elle décède six ans plus tard mais c’est en 2003 que Jean-Pierre Raffarin, sous la présidence de Jacques Chirac, permet la création de la fondation souhaitée par Annette Giacometti. On peut aujourd’hui le visiter au 5, rue Victor Schoelcher, dans le quatorzième arrondissement de la capitale.

Arrivé à Paris dans les années 1920, Giacometti fréquente divers ateliers d’artistes à l’exemple de celui d’Alexandre Archipenko ou d’Antoine Bourdelle. Cela permet à l’artiste de faire connaître son travail et de se créer un réseau ; il devient ainsi proche de Kurt Seligmann et Serge Brignoni, confrères suisses du même âge que lui. En 1925, son frère Diego le rejoint dans l’atelier situé au 37, rue Froidevaux, avant de s’installer ensemble, l’année suivante, au 46, rue Hippolyte-Maindron. Cet atelier sera le dernier qu’Alberto Giacometti aura occupé, et c’est celui qui sera reconstitué plus tard, en 2003, à l’Institut Giacometti de Paris.

Le projet de reconstitution de l’atelier de l’artiste suisse prend forme dans un hôtel particulier à l’architecture singulière, imaginée par Paul Follot, ébéniste et décorateur français. Ce lieu, singulier par ses inspirations art nouveau et art déco, se distingue en ce qu’il fut le domicile de l’architecte et de sa famille, un atelier pour ses propres créations, ainsi qu’un musée d’art. La demeure elle-même est un écrin esthétique, où l’art se met au service de l’art pour en présenter tout son potentiel.

Reconstitution de l’atelier de Giacometti dans l’entrée de la maison de Paul Follot © Institut Giacometti Paris, photographie Eléonore Gaudry

Lorsque l’on passe le seuil de l’Institut, il suffit de tourner la tête à droite pour se trouver face à une scène hors du temps. Protégée par un vitrage, la pièce pourtant vide de tout  corps humain semble habitée. Les sculptures longues et filiformes conversent avec le mobilier qui a soutenu l’artiste, dont il s’est servi. Le sol est jonché de blocs de plâtre et de plus petites sculptures, une table déborde du matériel de Giacometti, un ouvrage, semble-t-il inachevé, patiente. En attendant Alberto, on peut élargir notre vision et observer que même les murs donnent à lire, participent au processus sémiotique dans cet atelier : recouverts d’affiches de croquis, de taches, constellations qui viennent s’échouer dans le lit presque invisible, dissimulé dans le fond, à gauche. Le temps s’est comme arrêté, et donne l’impression que l’artiste sera de retour d’un instant à l’autre.

Le “Mur Breton”: un art poétique?

L’atelier d’un autre artiste fait aussi l’objet d’une reconstruction au sein d’un musée ; il s’agit de celui d’André Breton, un poète et écrivain français né en 1896, notamment connu pour être le chef de file du mouvement surréaliste. Également théoricien de l’écriture et des arts plastiques, c’est une personnalité influente dans le domaine artistique du XXe siècle. Fasciné par les objets en tous genres et convaincu de leur potentiel poétique, il prend plaisir à en collectionner de diverses sortes en parallèle à son activité d’écrivain. Peu à peu et jusqu’à sa disparition en 1966, il accumule dans son atelier des centaines de pièces de nature, d’époque et d’origines multiples. Le Centre Pompidou acquiert en 2003 un magnifique fragment de la collection de Breton rassemblé sur l’un des murs de son atelier, et l’expose : il s’agit du “Mur de l’atelier d’André Breton”.

André Breton s’installe en 1922 au 42, rue de la Fontaine à Paris, et y vit jusqu’à son décès en 1966.  Cet atelier est à la fois son lieu de travail, d’exposition, de rencontres avec les collègues surréalistes et, surtout, de vie. Mêlant l’intime et l’artistique, cet atelier-maison est pour Breton l’endroit de tous les possibles, où s’incarne pleinement le mouvement surréaliste qu’il contribue à mettre en marche. Espace de gestation de l’œuvre du poète, cabinet de curiosité et kaléidoscope aux myriades de visages, cet atelier est, pourrait-on dire, littéralement André Breton.

Pourtant ce n’est qu’une partie qui est utilisée pour être exposée au Centre Pompidou : un mur. Face à lui une vitre. Dans la salle d’exposition, rien, sinon un simple banc. Le minimalisme contraste avec la profusion d’information dégagée par ce mur : tableaux, affiches, figurines, insectes, etc., plus de deux-cents objets cohabitent les uns à côté des autres. Témoins directs de la vie de l’artiste, ces objets constituent non seulement le fruit de son obsession pour les curiosités aussi diverses soient-elles, mais révèlent aussi l’ouverture étendue de l’inspiration de l’écrivain : pour lui, l’art n’a ni frontière, ni corps unique, ni conscience totale. C’est ainsi pour rendre à hommage à Breton que ce mur a trouvé, au Centre Pompidou, nouveau logis. Lieu pensé pour abriter l’art dans ses formes les plus variées, et faire rayonner le travail plastique français, l’endroit est idéal pour un objet aussi particulier que celui-ci. En permettant aux visiteur•ices l’accès – bien qu’ailleurs de l’emplacement d’origine – à un tel élément, c’est l’imaginaire de l’artiste qui éclate au grand jour et s’approprie son nouvel espace.

Le Mur d’atelier d’André breton, © Centre Pompidou Paris, photographie Eléonore Gaudry

Vitrage, hétérotopie et hétérochronie

Les reconstitutions font partie des missions les plus délicates et complexes de la muséologie. Elles doivent en effet correspondre à un cahier des charges bien précis et se doivent de présenter sans dénaturer, de respecter le travail de l’auteurice sans pour autant mettre en retrait l’identité de la structure en charge de l’exposition. On remarque, à travers la reconstitution de l’atelier de Giacometti et celle de Breton, une volonté similaire : le vitrage instaure une distance entre le public et l’atelier. Sans doute est-ce pour préserver les pièces exposées, mais il est difficile de ne pas ressentir la même sensation que l’on peut éprouver face à un tableau, par exemple, dont la toile est elle aussi couverte d’une plaque en verre. Cette séparation marque une rupture entre deux mondes. D’une part, celui auquel ont appartenu les ateliers : ces derniers sont cristallisés, sinon dans l’espace, dans le temps auquel ils ont servi pour leurs artistes respectifs. D’autre part il s’agit du monde actuel, contemplant ces capsules temporelles avec le recul permis par les décennies passées.

Dans la poursuite de la réflexion entamée par Michel Foucault concernant les hétérotopies évoquées pendant une conférence donnée en 1967 au Cercle d’études architecturales, on peut convoquer ce concept en interrogeant le pouvoir du vitrage : en réalité, que produit-il sur les objets exposés ? Bien qu’il soit transparent et que l’on puisse voir très clairement ce qui s’y trouve, peut-on ressentir un inconfort à cause de la distance imposée ? On peut même se demander si l’on a affaire à une hétérotopie, dans la mesure où les plaques de verre empêchent que les deux dimensions ne se s’effleurent. En effet, l’hétérotopie désigne selon Foucault un espace clos ou enclavé, dont la réalité se manifeste en discontinuité avec l’univers qui les entoure (un cimetière, par exemple, lieu des défunts qui se situe pourtant dans celui des vivants). Une hétérotopie peut de ce fait produire un autre phénomène, à savoir l’hétérochronie. Il s’agit en d’autres termes de lieux où le temps est découpé, où se superposent plusieurs temporalités. Pour reprendre l’exemple du cimetière, plus précisément des corps enterrés, ils se heurtent à la perte de la vie (un arrêt du temps, ou un non-temps) ainsi qu’à l’éternité de leur souvenir. Dans le cas de ces ateliers d’artistes, les temps de l’époque et le nôtre se frôlent à peine, leur aura voyage de part et d’autre de la vitre et chacune regarde sa parente derrière le rideau impénétrable qui les séparent.

Au final, seule la devanture transparente profite à la fois de la tradition et de la modernité comme unique privilégiée – puisqu’elle touche à la fois le monde de l’atelier, dans son atmosphère d’antan, et le monde du XXIème siècle – et gardienne proclamée des trésors sacrés de Breton et de Giacometti.

Eléonore Gaudry
M1 Mondes littéraires création critique
Séminaire La Maison musée: chez l’artiste 2024-2025
Université Paris 8

OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Caroline Marie (12 mai 2025). Giacometti et Breton: l’atelier s’expose. MuséaLitté. Consulté le 12 mars 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13wl9


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1 réponse

  1. Florence Grillet - Gaudry dit :

    Merveilleux voyage entre un monde vécu et un monde au cœur battant.
    Bravo à l’auteure dans son maniement de la langue française.

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